Q. Please introduce yourself.
Hello. I am artist Byoungho KIM. I mainly work on sculptures and installations using metal and media. I studied art in college and studied engineering as a researcher at a national research institute designated by the Ministry of Science and Technology for three years before starting my work in earnest. I see myself as a member of a modern person accustomed to advanced social structures and environments, and instead of traditional drawings, I create my works by using meticulously planned design drawings and a thoroughly specialized production system.
Q. I'm curious about what prompted you to become the creator you are today.
I have thought for a long time that I should look at the world objectively. In order not to be biased to one side, I studied various systems and ideologies, and my approach to beauty also started from the differences in perspectives between the East and the West. After studying art, I naturally studied engineering. That is why I started working based on rational planning rather than emotional creation. Creating works according to such thorough planning suits my personality.
Q. Could you give us a brief introduction to your workspace?
I worked in Seoul for a long time, but three years ago I moved my workspace to a larger space in Seojong-myeon, Yangpyeong-gun, Gyeonggi-do. It is located in a mountain 200m above sea level with few people, so it is good for ‘windowing.’ I use it as a space to draw in a quiet atmosphere or to assemble parts processed by several engineers.
Q. Where do you mainly get your inspiration?
Since I was young, I used to quietly observe the surrounding situations and objects. Of course, I still observe a lot now. However, I don’t stop at simply observing the target object. In fact, the act of observation is a conflict between the observer and the object of observation. Therefore, I cannot help but have an attitude of suspicion rather than acceptance. In addition, the object of observation and my memory clash. This is because emotions exist in memories. I transfer these emotions into my work.
Q. It may be difficult to explain in words, but what creative process do you go through when you work?
I sketch my thoughts and proceed with the design based on them. The design process is very important. Design drawings are the language that allows me to communicate with many engineers. They prevent errors that occur when communicating verbally, and they are also a universal language. I think about various things for a long time during the drawing stage, but once the direction is set, I quickly create the design. Through design drawings, I can use the unitized and organized elements of our time as materials. This makes rational production possible through mass production. Once the concept and design of the work is complete, I work with engineers to create parts and start assembling the individual parts. When multiple parts are assembled, they become a module, and these are arranged according to planned rules to complete a single work. So depending on the work, thousands of parts may be needed. Sometimes human labor is involved, and the process of assembling by inserting and turning in the same way hundreds of times is also part of modularization. If we follow the mass production method of the factory based on such accurate design drawings, social systems, customs, and norms are projected into the work, and we can personally practice the approach to rationality that naturally occurred with the progress of civilization.
Q. I’m curious about your work.
Can you give me an example of your recent work?
Among my most recent works is 8 Symmetrical Gardens. It is a geometric composition of eight oval spheres. The four oval spheres on the top are matte black and have rough surfaces like the soil on which the work is installed. They symbolize essence, circles, etc. The four on the bottom are smooth and shiny. They represent artificial objects meticulously processed by human hands. In fact, it is the result of processing rough surfaces into shiny objects over a long period of time using various techniques. In the end, four material civilizations beautifully processed like jewels are located between one rough Earth and four rough objects. The surface repeatedly reflects the surrounding objects, creating a self-intoxicating splendor. The work was originally designed to be installed on soil, but it consists of a large sphere called Earth, four artificially processed oval spheres on top of it, and another oval sphere in its original state before processing. Through geometric arrangements, it shows the coexistence of nature and artificiality, and the rationally well-managed environment of our time.
Q. What did the author want to emphasize most through his work?
Straight lines, planes, and thickness. They show our environment well. There are no absolute straight lines or planes on Earth. This is only possible in mathematical formulas. However, straight lines and planes have become very natural elements for modern humans. In particular, planes have physical thickness. If thickness is explained logically, it is the width between one side and the opposite side that is parallel to it. It means the distance between two parallel planes. If a plane is a mathematical and abstract concept, thickness can be seen as converting the abstract into physical mass. Humans have been making any object into an efficient plane for a long time. As mass production became possible through the Industrial Revolution, the production of metals, wood, etc. in a flat and standardized form accelerated. These materials released from the factory become materials for creating living spaces and cover our surroundings. It seems that we take them for granted as our environment, just like we do not doubt the existence of air. I am not criticizing this environment. I also feel comfortable and live in a clean environment provided by straight lines and planes. However, as an artist, I only question the current environment that will remain in future memories.
Q. I'm curious about what you're satisfied with and what you're dissatisfied with in your recent work.
The physical binding method of the work needs to be more solid, but there are still many loopholes. There are various approaches to creating works of art. Just as there was a time when ready-made was presented as an alternative to art, I go through a process of ready-made (化) when creating works. In other words, I approach the work with the idea of creating a 'product'. There is a special reason for this. It is because the binding method, like that of home appliances, is important when assembling multiple parts closely. Connecting materials tightly and combining them into one means that the mass-produced parts function rationally. This represents the material world that is becoming increasingly divided and standardized through mass production, while at the same time, it means that the structure of the real world functionally intervenes in the work. In addition, the product that has been assembled can perform the function that was originally planned. It helps us think about the function of art.
Q. Can I ask you about how you usually spend your daily life?
Half of the week I spend in my studio. Since it is located in the mountains, I really enjoy the quietness of not having anyone pass by or visit. The other half is spent on production-related work. I draw blueprints with designers, and visit factories that produce each part to check schedules and production processes. Since most of my partner factories are located in the Gyeonggi area, such as Namdong National Industrial Complex, Sihwa National Industrial Complex, and Banwol National Industrial Complex, I often drive there.
What are you most interested in these days?
I am interested in what we remember and how we remember. Memories include not only personal memories of individuals, but also memories created by groups and communities over a long period of time. Among the numerous memories of such groups, society, institutions, rules, and norms are my main research subjects. These memories also mean situations where we are accustomed to empirical comfort and repeat them without filtering. In other words, we can say that we are currently accepting the memories of the community without question, as if we are under a spell, seduced by the behavioral patterns and ways of thinking that have been passed down from our ancestors. I am observing this aspect of us.
Q. How does your attitude towards life reflect in your work?
Actually, I was really surprised by this question. Many of my works are about attitudes toward life. For example, the ‹The 19 Gods›, which was first presented in Shanghai, China in 2018, is a work that expresses our attitudes toward the way of life that has been passed down from our ancestors for a long time. It consists of 19 objects of the same shape and size, and they represent not just simple objects, but creations of civilization that have become so large that we use the term god. We want to reach the highest value and peak that we recognize in our individual lives in various ways. In that sense, the work remembers the absolute being that we can blindly follow and the image of ourselves who created it.
Q. How do you overcome a slump?
I am a very indifferent person. It's not that I don't have slumps, but I'm so dull that I don't know what they are. There are times when I'm active, whether mentally or physically, and times when I'm depressed. I develop my thoughts and create works according to that rhythm. The flow and ups and downs of emotions are also part of life.
Q. What is the most realistic problem you've encountered recently?
It's a question of 'ownership or existence?' Living in a capitalist society, I've accumulated a lot of personal possessions. Starting with various works of art, cell phones, cars, clothes, mechanical equipment, airline miles, etc... But the problem of owning a real estate called a studio is right in front of me. Even though it's relatively cheaper than Seoul because it's in the countryside, I still have to deal with the bank for a considerable amount. I started to worry about whether I should choose a possessive lifestyle or not.
Q. Could you tell us about the attitude and philosophy of a creator that you consider important?
Most contemporary artists receive formal art education and enter the art world. They enter the art scene already familiar with many things, such as formative practice, the qualities that artists should have, and studying the art market. Of course, I did the same. I think that artists desperately need a thorough sense of professionalism. An artist’s sense of professionalism is not a finished product, but a process. I believe that the goal of an artist is not to create good work, but to think well, which is the attitude that an artist should have. I think that everything that naturally comes out of this process of thinking—drawings, objects, experimental samples, etc.—becomes a work of art.
Q. Do you have any tips or tricks to share with other creators who want to continue doing what they love?
Many people ask me, “How can you consistently create new works?” I always answer, “It’s very easy. Thinking is my job!” I think the basic attribute of an artist’s job is thinking. If you think and observe all day, you can discover various and wonderful things. Of course, you can’t just do nothing and think. I think that all kinds of art have value because different generations live in different ways and think in their own ways.
Q. What kind of creator do you want people to remember you as?
I would like to be remembered as a strategic artist who utilizes the entire system of modern society. Rather than as an individual artist named 'Byoungho KIM'. In order to actually realize my ideas into works, I have to collaborate with many people, including planners, designers, engineers, architects, and structural designers. The artist is just one of those members. After all, the system of our time creates works.
자기소개를 부탁드릴게요.
안녕하세요. 미술작가 김병호입니다. 주로 금속과 미디어를 사용해 조각과 설치 작업을 하고 있습니다. 대학에서 미술을 공부하고, 3년간 과학기술부 국가지정연구실에서 연구원 자격으로 공학을 공부한 후 본격적으로 작품 활동을 시작했어요. 저 자신을 발전된 사회 구조와 환경에 익숙해진 현대인의 일원으로 설정하고, 전통적인 드로잉 대신 섬세하게 계획한 설계 도면을 들고 철저히 분업화된 생산 시스템에 투입해 작품을 만들고 있습니다.
Q. 지금의 창작자로 활동하게 된 계기가 궁금합니다.
아주 오래전부터 세상을 객관적으로 보아야 한다고 생각해 왔어요. 한쪽에 치우치지않기 위해 여러 체제와 사상을 공부했고, 미(美)에 대한 접근 또한 동양과 서양의 관점 차이에서 시작했고요. 미술에 이어 자연스럽게 공학을 공부하게 되었죠. 그래서인지 감성적인 창작보다는 합리적인 계획에 바탕을 둔 작업을 시작하게 됐어요. 이렇게 철저한 계획에 따라 작품을 만드는 일이 성격에 딱 맞기도 하고요.
Q. 작업 공간에 대해서 편하게 소개해 주시겠어요?
오랜 시간 서울에서 작업을 했는데, 3년 전 경기도 양평군 서종면으로 작업 공간을 더 크게 옮겼어요. 인적이 드문 해발 200m 산속에 자리 잡아서 ‘풍멍’하기에 좋아요. 조용한 분위기에서 드로잉을 하거나, 여러 엔지니어가 가공한 부품을 조립하는 공간으로 사용 중입니다.
Q. 작가님은 영감을 주로 어디서 얻으시나요?
어려서부터 조용히 주변 상황과 사물을 유심히 관찰하곤 했어요. 지금도 물론 많이 관찰하죠. 그런데 단순히 목적 대상을 살펴보는 일에 그치지 않아요. 사실 관찰이라는 행위는 관찰자가 관찰의 대상과 맺는 관계에서 갈등하는 일이거든요. 따라서 수용이 아니라 의심의 태도를 가질 수밖에 없어요. 더불어 관찰 대상과 제 기억이 충돌하게 되는데요. 기억에는 감정이 존재하기 때문입니다. 저는 이런 감정을 작품으로 옮기고 있습니다.
Q. 말로 설명하기 어렵겠지만, 작업하실 때 어떤 창작 과정을 거치시나요?
생각한 것을 스케치하고 이를 바탕으로 설계를 진행해요. 설계 과정은 무척 중요한데요. 설계 도면이야말로 많은 엔지니어와 소통할 수 있는 언어라서요. 말로 소통할 때 따라붙는 오류가 생기지 않고, 만국 공통어이기도 하고요. 드로잉 단계에서는 다양한 생각을 오랫동안 하지만, 일단 방향이 설정되면 설계도를 빠르게 작성해요. 설계 도면을 통해 우리 시대의 단위화되고 조직화된 요소를 재료로 사용할 수 있어요. 대량생산 방식으로 합리적인 제작이 가능해지죠. 작품 구상과 설계가 끝나면 엔지니어와 부품을 만들고, 개별 부품을 조립하기 시작해요. 여러 개의 부품을 조립하면 하나의 모듈이 되고, 이를 계획된 규칙에 따라 배열해 하나의 작품으로 완성합니다. 그래서 작품에 따라서 수천 개의 부품이 필요하기도 해요. 간혹 사람의 노동력이 들어가기도 하는데, 똑같은 방식으로 끼우고 돌리기를 수백 번 반복하며 조립하는 과정 또한 모듈화의 일부분입니다. 이렇게 정확한 설계 도면에 기반해 공장의 대량생산 방식을 따르면, 작품에 사회 시스템, 관습과 규범 등이 투영되고, 문명의 진행과 함께 자연적으로 발생한 합리성에 대한 접근을 몸소 실천할 수 있습니다.
Q. 작가님의 작업 세계가 궁금해요. 최근 작업을 예로 들어 주시겠어요.
가장 최근에 만든 작품 중 ‹8개의 대칭정원 8 Symmetrical Gardens›이 있어요. 8개의 타원구 모양을 기하학적으로 구성했습니다. 위쪽에 있는 4개의 타원구는 무광 흑색인데 작품을 설치하는 지면의 흙처럼 표면이 거칠어요. 본질, 원형 등을 상징하죠. 아래쪽 4개는 매끄럽게 빛나는데요. 인간의 손으로 정성껏 가공한 인공물을 대변합니다. 실제로도 다양한 기술을 활용해 거친 표면을 오랜 시간 반짝이는 오브제로 가공한 결과예요. 결국 한 개의 거친 지구와 4개의 거친 오브제 사이에 보석처럼 아름답게 가공한 4개의 물질문명이 위치하는 셈인데요. 그 표면은 주변 오브제를 거듭 반사하면서 자아도취적 화려함을 만들어 냅니다. 해당 작품은 원래 흙 위에 설치하도록 설계했는데, 지구라는 큰 구 모양, 그 위에 인공적으로 가공한 4개의 타원구, 또 그 위에 가공하기 이전의 원형 상태의 타원구를 쌓은 모습이죠. 기하학적 배치를 통해 자연과 인공성의 공존, 합리적으로 잘 가꾼 우리 시대의 환경을 보여줍니다.
Q. 작업을 통해 작가님이 가장 강조하고 싶은 부분은 무엇이었나요?
직선과 평면, 그리고 두께입니다. 우리 환경을 잘 보여주거든요. 지구상에는 본질적으로 절대적인 직선과 평면이 존재하지 않습니다. 수학 공식에서나 가능한 일이죠. 그런데 현 인류에게 직선과 평면은 너무나도 당연한 요소가 되었어요. 특히 평면은 물리적인 두께를 가지고 있는데요. 두께를 논리적으로 설명하면 한 면과 그에 평행한 반대쪽 면 사이의 너비예요. 평행한 두 평면 사이의 거리를 뜻하죠. 평면이 수학적이고 추상적인 개념이라면, 두께는 추상적인 것을 물리적 질량으로 변환했다고 볼 수 있습니다. 인류는 오래전부터 어떤 물건이든 효율적인 평면으로 만들어 왔어요. 산업혁명을 통해 대량 생산이 가능해지면서 금속, 목재 등을 평평하고 규격화된 모습으로 생산하는 일이 가속화됐습니다. 이렇게 공장에서 출고한 자재는 삶의 공간을 연출하는 재료가 되어 우리 주변을 뒤덮고 있는데요. 마치 공기의 존재를 의심하지 않는 것처럼, 우리의 환경으로 당연시된 것 같아요. 이런 환경을 비판하는 건 아니에요. 저도 직선과 평면이 주는 말끔한 환경에서 편안함을 느끼고 살고 있으니까요. 다만 미술가로서 미래의 기억에도 남아 있을 현재의 환경을 의심할 뿐입니다.
Q. 최근 작업하면서 만족하는 부분과 불만족하는 부분이 궁금합니다.
작품의 물리적인 결속 방식이 더 견고해져야 하는데, 아직 허점이 많네요. 예술 작품을 만드는 접근 방식은 다양한데요. 과거 레디메이드ready-made가 예술의 대안으로 제시된 시절이 있었듯이, 저는 작품을 제작할 때 기성품화(化)의 과정을 거칩니다. 즉, 작품을 만들 때 ‘제품’을 만든다는 생각으로 접근해요. 이에 대한 특별한 이유가 있어요. 여러 부품을 치밀하게 조립할 때 구현되는 가전제품 같은 결속 방식이 중요하기 때문입니다. 물질과 물질을 견고하게 연결해 하나로 결합하는 건 대량생산한 부분이 서로 합리적으로 기능한다는 뜻이에요. 이는 점점 더 분업화되고 대량생산으로 획일화되는 물질세계를 대변하면서, 동시에 현실 세계의 구조가 작품에 기능적으로 개입되는 것을 의미합니다. 더불어 조립을 완료한 제품은 원래 계획한 기능을 수행할 수 있는데요. 예술의 기능을 생각하도록 도와줍니다.
Q. 평소 일상을 보내는 방식에 대해서 여쭤봐도 될까요?
일주일 중 절반은 작업실에서 시간을 보냅니다. 산속에 있기 때문에 아무도 지나다니지 않고 방문하지 않는 적막함을 매우 즐기는 편이에요. 나머지 절반은 제작과 관련한 일을 처리하는 데 사용해요. 디자이너와 설계도를 그리고, 각 부품을 제작하는 공장을 방문해 일정과 제작 과정 등을 점검합니다. 협력 공장이 주로 남동국가산업단지, 시화국가산업단지, 반월국가산업단지 등 경기도권에 있기 때문에 운전해서 다니는 경우가 잦습니다.
Q. 요즘 가장 큰 관심거리는 무엇인가요?
우리가 기억하는 것과 기억하는 방식에 관심을 두고 고민 중이에요. 기억에는 개인의 사적인 기억뿐 아니라, 집단 공동체가 오랜 시간 만든 기억도 포함되는데요. 그런 집단의 수많은 기억 중 사회와 제도, 규율과 규범 등이 제 주요 연구 대상입니다. 이런 기억은 경험적인 평안함에 익숙해져서 여과 없이 답습하는 상황을 의미하기도 해요. 즉, 현재의 우리는 선조로부터 이어 내려온 행동 양식과 사고방식에 대해, 마치 마법에 걸린 듯 유혹되어 공동체의 기억을 의심 없이 수용하고 있다고 말할 수 있죠. 저는 이러한 우리의 모습을 관찰하고 있습니다.
Q. 삶을 대하는 태도가 작업에는 어떻게 묻어나나요?
사실 이런 질문에 무척 놀랐어요. 제 작품 중에는 삶을 대하는 태도에 대한 것이 많거든요. 예를 들어, 2018년 중국 상하이에서 처음 발표한 ‹19명의 신›은 오랫동안 선조로부터 내려온 삶의 방식에 길든 우리의 태도를 표현한 작품이에요. 같은 모양, 같은 크기의 오브제 19개로 구성됐는데, 이는 단순한 물건이 아니라 신(神)이라는 용어를 사용할 정도로 거대해진 문명의 창조물을 대변합니다. 우리는 개개인의 삶에서 다양한 방식으로 스스로 인정한 최고의 가치와 절정에 이르길 원하잖아요. 그런 의미에서 해당 작품은 맹목적으로 추종할 수 있는 절대적 존재와 이를 창조한 우리의 모습을 기억합니다.
Q. 슬럼프가 올 때는 어떻게 극복하세요?
저는 매우 무덤덤한 사람이에요. 슬럼프가 없는 게 아니라, 그게 무엇인지 모를 정도로 둔하다는 뜻이죠. 심정적으로든, 신체적으로든 활발할 때가 있으면 처질 때도 있잖아요. 그 리듬에 따라 생각을 전개하고 작품을 만듭니다. 감정의 흐름과 기복 또한 삶의 일부니까요.
Q. 최근 들어 찾아온 가장 현실적인 문제는 무엇인가요?
‘소유나, 존재냐?’에 대한 문제입니다. 자본주의 사회에 살면서 그동안 사적인 소유물이 많이 생겼더라고요. 다양한 작품부터 시작해서, 휴대전화, 자동차, 옷, 기계 장비, 항공 마일리지 등등…그런데 작업실이라는 부동산을 소유하는 문제가 눈앞에 다가왔어요. 시골에 있기 때문에 서울보다 상대적으로 저렴하다고 해도, 그래봤자 상당 부분은 은행과 함께해야겠지만요. 소유적 삶의 방식을 택할 것인가, 그렇지 않을 것인가에 대한 고민이 시작되었답니다.
Q. 작가님이 중요하게 생각하는 창작자의 태도와 철학을 알려주시겠어요?
대부분의 현대 미술 작가는 정규적인 미술 교육을 받고 미술가의 길로 들어섭니다. 조형 연습, 예술가가 지녀야 할 소양, 미술 시장에 관한 공부 등 많은 것을 이미 숙지한 상태에서 미술 현장에 투입됩니다. 물론 저도 그랬고요. 저는 미술가에게 투철한 직업의식이 절실하게 필요하다고 생각해요. 미술가의 직업의식은 완성형이 아니라 과정형입니다. 좋은 작업을 만드는 게 미술가의 목적이 아니라, 좋은 고민을 하는 것 자체가 작가가 지녀야 할 태도라고 믿어요. 이런 고민의 과정에서 자연스럽게 나오는 모든 것―드로잉, 오브제, 실험용 샘플 등―은 작품이 된다고 생각합니다.
Q. 좋아하는 것을 지속하려는 다른 창작자에게 건네고 싶은 노하우나 팁을 공유해 주신다면요?
많은 사람이 제게 이렇게 묻습니다. “어떻게 꾸준히 새로운 작품을 만들 수 있나요?” 저는 늘 이렇게 대답해요. “아주 쉬워요. 생각하는 일이 제 직업이거든요!” 예술가라는 직업의 기본 속성은 생각하는 거라고 생각해요. 종일 생각하고, 관찰하면, 다양하고 멋진 것을 발견할 수 있어요. 물론 아무것도 안 하고 생각만 할 수는 없지만요. 여러 세대가 각기 다른 방식으로 살면서, 자신만의 방식으로 생각하기 때문에 다양한 예술이 모두 가치를 지닌다고 봐요.
Q. 사람들에게 어떤 창작자로 기억되고 싶나요?
현대 사회의 시스템 전반을 활용한 전략적인 작가로 기억되면 좋겠습니다. ‘김병호’라는 개인으로서의 작가보다요. 실제로 제 생각을 작품으로 실현하려면 기획자, 디자이너, 엔지니어, 건축가, 구조설계사 등 많은 사람과 협력해야만 해요. 미술가는 그 구성원 중 한 명일 뿐입니다. 결국 우리 시대의 시스템이 작품을 만드니까요.